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Phee Jungwon (b. 1993) is an artist based in Seoul and New York. His practice explores the relationship between memory, perception, and material through a sustained engagement with abstraction. Drawing on experiences of living in Canada, the United States, and Korea, Phee’s work reflects an ongoing negotiation between personal history and shifting cultural contexts.

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Central to his practice is the use of black surfaces constructed through layers of ink, gesso, and pigment. Rather than functioning simply as a color, black operates as a structural ground upon which forms, gestures, and traces accumulate over time. Rectilinear elements such as squares and bands intermittently emerge across these surfaces, acting as spatial markers that register moments of perception, memory, and transformation.

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Phee’s paintings develop through repeated material experimentation, layering, and overpainting. The cracks, bleeding, coagulation, and flows that emerge on the surface are the accumulated results of experiments conducted between control and contingency, as Phee continues to intervene in the surface until reaching a desired degree of texture, thickness, and density. Through this iterative process, the paintings register both material transformation and the passage of time, while revealing the tension between control and chance.

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Recent solo exhibitions include The Black Path at The Third, Leipzig, Germany (2026), Into Drawing 51: Archival Painting at SOMA Drawing Center, Seoul, Korea (2025), Ma at Gallery Hayashi + Art Bridge, Tokyo, Japan (2025), From Darkness at Space Hyeong, Seoul, Korea (2024), and Abstraction of Black Space and Memory at The Reference, Seoul, Korea (2024). His work has also been included in group exhibitions such as Luminous Silence at Seongnam Museum of Art, Seongnam, Korea (2026), Art Auction 14 at Weserhalle, Berlin, Germany (2025), New Independent: Crossword at Yangpyeong Museum of Art, Gyeonggi, Korea (2025), and Ecocycle at Kornfeld Galerie Berlin and 68projects, Berlin, Germany (2025).

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Recently, Phee participated in Perhaps, All of Us, a touring exhibition organized by the Seoul Museum of Art (SeMA), and in the Leipzig International Art Programme (LIA) residency in Leipzig, Germany. Through these recent activities, Phee continues to explore the possibilities of abstraction as a means of registering perception, memory, and consciousness through material form.

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A Record Beginning with Black 

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Emotion is universal, but expression is personal. My work begins with this premise. While the structures of emotion experienced in life often recur across different individuals, the ways in which those emotions are articulated and visualized vary according to each person’s experiences, memories, and surroundings. I begin painting at the point where universality and individuality intersect. The unease of trying to establish oneself in an unfamiliar environment, the sense of loss following the departure of someone close, and memories that gradually transform and disappear over time all arise from deeply personal experiences. Yet the emotions embedded within them do not belong exclusively to any one individual. My painting is a process of translating personal experience into a distinct visual language and, in turn, extending it into the realm of shared human experience. My paintings always begin with black. Created by combining ink (meok, 墨), a fundamental material of East Asian painting, with Black Gesso, a ground associated with Western painting, this black functions not simply as a background but as a central presence that runs through the work as a whole. The ink represents my cultural roots and sense of identity, while the Black Gesso evokes my experience of the West and the foundations of my practice as a painter. Bringing together materials rooted in two different cultural traditions places the East and West within a single material field, while visualizing my own experience and identity situated between them. The black, built up through repeated applications and layers yet never quite reaching a state of completion, resonates with my experience of continually adjusting myself in order to find a place within an unfamiliar culture. Black therefore represents the self while simultaneously evoking the boundaries between East and West, familiarity and estrangement, settlement and movement. It occupies the surface as an active presence, absorbing and holding the viewer’s gaze.

In my practice, materiality is not a means of realizing a concept; it is the ground from which the concept itself emerges. I repeatedly experiment with different proportions of cement powder, oil, acrylic paint, and other materials, varying temperature, humidity, drying time, and environmental conditions to observe changes in cracking, bleeding, coagulation, and flow. The traces that appear on the surface as if by chance are not arbitrary outcomes, but the accumulated results of experiments conducted between control and unpredictability. The repeated act of painting over the surface until a desired degree of cracking, texture, thickness, and density is reached becomes a process through which material imperfection is brought toward a state of completion. These experiments are documented through archival paintings and sketchbooks. Data concerning material ratios, environmental conditions, and changes in the surface preserve not only the physical circumstances of a particular time and place, but also the emotions and states associated with them. These records become both the prehistory of the finished painting and an archive of material memory. Having lived across different regions and cultures has continually placed me in a position of in-betweenness, while a life marked by movement and the inability to remain in one place for long has inevitably left memories fragmented and incomplete. Rather than returning intact, past memories are reconstructed through present perception. Through diaries, photographs, recordings, and sketches, I call back dispersed fragments of memory and layer the sensations of different times and places onto the present. In this sense, my practice is less a synchronic representation that fixes a particular experience than a diachronic record that traces the transformations of memory and existence over time.

The decision to leave most of my works untitled, rather than exposing personal experiences through specific narratives, is also connected to this approach. A title that points to a particular event or place can determine the parameters of an artwork’s interpretation before the encounter with the work has even begun. The serial numbers that follow “Untitled” serve only as minimal markers for distinguishing one work from another; they are not devices for fixing meaning. By concealing personal narratives within layers of form, material, and trace, I leave room for viewers to encounter the work through their own memories and emotions. This does not mean, however, that my practice simply leaves interpretation unrestricted. My intention is to fully articulate experiences that begin as personal through a distinct visual language and then allow them to move beyond the individual toward a shared, universal sensibility. The geometric forms, accumulated layers of paint, flows, and cracks on the canvas thus become records in which personal time is condensed. Just as walls and the earth crack and fracture over time, the passage of existence leaves traces in one form or another. Rather than explaining particular events, I seek to reveal existence through these traces. For me, painting is not a means of restoring memory, but a way of transforming memories that cannot be fully recovered, together with the traces they leave behind, into a present sensory experience—and of recording the process through which the time of an individual existence moves toward a universal human sensibility.

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피정원(1993년생)​은 서울과 뉴욕을 기반으로 활동하는 작가이다. 추상회화를 지속적으로 탐구하며 기억, 지각, 물질 사이의 관계를 다룬다. 캐나다, 미국, 한국에서의 거주 경험을 바탕으로 개인의 역사와 변화하는 문화적 맥락 사이에서 형성되는 지속적인 관계와 긴장을 작업에 반영한다.

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그의 작업에서 핵심적인 요소는 먹, 젯소, 안료의 층위를 통해 구축되는 검정의 화면이다. 검정은 단순한 색채가 아니라, 형태와 제스처, 흔적이 시간에 따라 축적되는 구조적 기반으로 기능한다. 사각형과 띠와 같은 직선적 요소들은 이러한 화면 위에 간헐적으로 나타나며, 지각과 기억, 변화의 순간을 기록하는 공간적 표지로 작용한다.

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피정원의 회화는 반복적인 재료 실험과 중첩, 덧칠의 과정을 통해 형성된다. 화면에 나타나는 균열과 번짐, 응고와 흐름은 통제와 비통제 사이에서 축적된 실험의 결과이며, 작가는 원하는 질감과 두께, 밀도에 도달할 때까지 화면에 지속적으로 개입한다. 이러한 반복적 과정은 물질의 변화와 시간의 흐름을 기록하는 동시에, 통제와 우연성 사이의 긴장을 드러낸다.

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주요 개인전으로는 《The Black Path》(더써드, 라이프치히, 2026), 《Into Drawing 51: Archival Painting》(소마미술관, 서울, 2025), 《Ma》(Gallery Hayashi + Art Bridge, 도쿄, 2025), 《From Darkness》(스페이스형, 서울, 2024), 《Abstraction of Black Space and Memory》(더 레퍼런스, 서울, 2024) 등이 있다. 주요 단체전으로는 《찬란한 고요》(성남큐브미술관, 성남, 2026), 《Art Auction 14》(Weserhalle, 베를린, 2025), 《New Independent: Crossword》(양평군립미술관, 경기, 2025), 《Ecocycle》(Kornfeld Galerie Berlin & 68projects, 베를린, 2025) 등에 참여했다.

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최근에는 서울시립미술관(SeMA)이 기획한 순회전 《아마도, 모두 우리(Perhaps, All of Us)》에 참여했으며, 독일 라이프치히의 Leipzig International Art Programme(LIA) 레지던시에 참여했다. 이러한 최근의 활동을 통해 피정원은 물질적 형식을 통해 지각과 기억, 의식을 기록하는 추상회화의 가능성을 지속적으로 탐구하고 있다.

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검정에서 시작되는 기록

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감정은 보편적이지만, 표현은 개인적이다. 나의 작업은 이 명제에서 출발한다. 삶에서 경험하는 감정의 구조는 서로 다른 개인에게서도 유사하게 반복되지만, 그것이 발화되고 시각화되는 방식은 각자의 경험과 기억, 환경에 따라 상이하다. 나는 이 보편성과 개별성이 교차하는 지점에서 회화를 시작한다. 낯선 환경에 뿌리내리고자 하는 불안, 곁을 떠난 존재를 향한 상실, 시간 속에서 변형되고 소실되는 기억은 지극히 개인적인 경험에서 비롯되지만, 그 안에 내재한 감정은 특정한 개인에게만 귀속되지 않는다. 나의 회화는 개인적인 경험을 고유한 조형 언어로 환원하고, 다시 그것을 보편적인 감각의 영역으로 확장하는 과정이다. 나의 회화는 언제나 검정에서 시작한다. 동양화의 근본 재료인 먹(墨)과 서양화의 바탕재인 블랙 젯소(Black Gesso)를 혼합하여 만든 검정은 단순한 배경색을 넘어 작업 전체를 관통하는 하나의 주체로 기능한다. 먹은 나의 문화적 뿌리이자 정체성을, 블랙 젯소는 서구적 환경에서의 경험과 회화적 기반을 상징한다. 서로 다른 문화적 기원을 지닌 두 재료의 결합은 동서양이라는 이항적 구조를 하나의 물질적 층위 안에 병치하며, 그 경계에 놓인 나의 경험과 정체성을 시각화한다. 반복적인 도포와 축적을 통해 캔버스를 채우면서도 완전한 상태에 도달하지 못하는 검정은 낯선 문화에 스며들기 위해 끊임없이 자신을 조정했던 이주의 경험과 맞닿아 있다. 따라서 검정은 자아를 대변하는 동시에 동양과 서양, 익숙함과 낯섦, 정착과 이동 사이의 경계를 함의하며, 화면을 점유한 채 관람자의 시선을 흡수하고 가두는 운동적 주체로 기능한다.

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나의 작업에서 물성은 개념을 구현하기 위한 수단이 아니라 개념을 형성하는 기반이다. 시멘트 파우더, 오일, 아크릴 물감 등을 서로 다른 비율로 배합하고 온도와 습도, 건조의 시간과 환경을 달리하며 균열과 번짐, 응고와 흐름의 변화를 반복적으로 실험한다. 화면 위에서 우연처럼 나타나는 흔적은 임의적인 결과가 아니라 통제와 비통제 사이에서 축적된 실험의 산물이며, 원하는 균열과 질감, 두께와 밀도에 도달할 때까지 덧칠을 반복하는 행위는 물질의 불완전성을 완결성으로 이행시키기 위한 과정이다. 이러한 실험은 아카이벌 페인팅과 스케치북을 통해 기록된다. 재료의 배합과 환경 조건, 표면의 변화에 대한 데이터는 특정한 시간과 장소에서의 감정과 상태를 함께 보존하며, 이 기록들은 완성된 회화의 전사(前史)이자 물질적 기억의 아카이브가 된다. 다양한 지역과 문화를 오가며 살아온 경험은 나를 지속적으로 경계의 위치에 놓았고, 한곳에 오래 머물지 못한 삶은 필연적으로 기억의 파편화와 소실을 남겼다. 과거의 기억은 온전한 형태로 복원되기보다 현재의 감각 속에서 재구성되며, 나는 일기, 사진, 녹음, 스케치 등의 매체를 통해 흩어진 기억을 호출하고 서로 다른 시간과 공간의 감각을 현재에 중첩시킨다. 따라서 나의 작업은 특정한 경험을 고정하는 공시적 재현보다 기억과 존재의 변천을 되짚는 통시적 기록에 가깝다.

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개인적인 경험을 구체적인 서사로 노출하지 않고 대부분의 작품에 ‘무제(Untitled)’라는 제목을 부여하는 것 역시 이러한 작업 방식과 연결된다. 특정한 사건이나 장소를 지시하는 제목은 작품의 감상 범위를 선험적으로 규정할 수 있기 때문이다. ‘무제’ 뒤에 붙는 일련번호는 작품을 구분하기 위한 최소한의 기호일 뿐, 의미를 고정하는 장치는 아니다. 나는 개인적인 서사를 형태와 물질, 흔적의 층위 안에 은닉함으로써 관람자가 자신의 기억과 감정을 통해 작품과 관계 맺기를 기대한다. 그렇다고 해서 나의 작업이 무제한적인 해석을 방치하는 것은 아니다. 개인적인 경험에서 출발한 표현을 고유한 조형 언어로 철저히 구현하고, 다시 그것을 개인의 경험을 넘어선 보편적인 감각으로 이행시키는 것이 나의 명확한 지향점이다. 캔버스 위에 축적된 기하학적 형태와 물감의 층위, 흐름과 균열은 그렇게 개인의 시간이 응축된 기록이 된다. 시간이 흐르며 벽과 대지가 갈라지듯 존재의 시간 역시 어떠한 형태로든 흔적을 남긴다. 나는 특정한 사건을 설명하기보다 그 흔적을 통해 존재를 드러내고자 한다. 회화는 나에게 기억을 복원하는 수단이 아니라, 복원할 수 없는 기억과 남겨진 흔적을 현재의 감각으로 전환하고, 개별적인 존재의 시간이 보편적인 감각으로 이행하는 과정을 기록하는 방식이다.

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